Text: David Johansson Hay una simple razón por la que los dibujos animados como Bugs Bunny , Wile E. Coyote y el Correcaminos sigan haciéndonos reír incluso de adultos: son geniales. Tienen la capacidad de despertar un sentimiento profundo de nostalgia a cada adulto que se entregó a ellos de niño, a la misma vez que siguen siendo un medio ideal para la creatividad y el juego. Los dibujos animados son para todos los públicos, no sólo para los niños - es un auténtico arte popular.
La grandeza del artista neoyorquino Keith Haring radica precisamente en eso. Si le preguntaras a cualquier neoyorquino que viajara en metro a principios de los 80, te costaría encontrar a alguien que no estuviera familiarizado con los sencillos dibujos en tiza blanca sobre papel negro mate que cubrían los paneles publicitarios. De esta manera, Keith Haring encontró la forma de comunicarse con el público que había estado buscando. Comenzó muy pronto a dibujar con su icónica tiza blanca en casi todos los paneles publicitarios vacíos con los que se encontraba. Rápidamente. se convirtieron en imágenes habituales para los transeúntes neoyorquinos, Haring podía crear hasta 40 ilustraciones en un solo día, convirtiendo así su arte en algo verdaderamente público.
"A finales de los 70, había una mentalidad de "do it yourself" tan fuerte junto con una dura crítica contra el "sistema" del arte, particularmente el arte retorcido, minimalista y político. Los artistas querían tomar cartas en el asunto, así como conseguir expresarse de una manera más directa con el público", dice John Peter Nilsson, comisario del Museo Moderno de Estocolmo, al hablar con Barnebys.
En ese momento el movimiento de East Village Art en Nueva York estaba creciendo. El marcado contraste entre el descuidado y destartalado East Village y el elegante y caro Soho sólo ofrecía combustible extra a la escena del arte "do it yourself". Artistas como Haring y Jean- Michel Basquiat se formaron en escuelas de arte - Haring asistió a la Ivy School of Professional Art en Pittsburgh a finales de los 70 - pero se inspiraron enormemente en el arte urbano y en los grafitis. Las galerías de arte exhibían grafitis de artistas del Bronx, y creadores como David Sally y Julian Schnabel producían objetos en terciopelo y porcelana rota.
Te puede interesar: Marina Abramović: la Madrina del arte de la performance y el arte radical
"Eran brutales y un tanto feos, casi antiestético", añade John Peter Nilsson. "Keith Haring quiso eliminar la barrera entre el artista y el público llevando su arte al espacio público, sin que una galería los separara. The Radiand Child, The Barking Dog y otros de pequeños símbolos recurrentes se convirtieron en historietas cortas, a menudo inspiradas en la propia vida de Haring".
Keith Haring creció en un hogar religioso - su familia asistía regularmente a la congregación de la Iglesia de Dios - su madre era muy afectuosa y su padre ingeniero y dibujante aficionado. Expuesto a las oleadas de contracultura de los años 60, la guerra de Vietnam y los disturbios raciales, Haring estaba decidido a que su arte dirigiera la era moderna y a defender a aquéllos que estaban siendo derrotados por los grandes poderes.
Después de mudarse a Nueva York a principios de la década de 1980, se sumergió en la escena artística alternativa con otros artistas, como Basquiat y Kenny Scharf, y se inspiró no sólo en Basquiat sino también en Andy Warhol y Christo, junto con otras figuras como el pintor realista Robert Henri y el autor William S. Burroughs, Haring comenzó a dar forma a lo que se convertiría en una carrera prometedora carrera.
Te puede interesar: John Baldessari: La ironía del arte conceptual
Haring quiso eliminar la barrera entre el artista y el público llevando su arte al espacio público
Su primera exposición en solitario se llevó a cabo en el Westbeth Painter's Space en 1981. Al año siguiente Haring se estrenó en el Soho en la Galería Tony Shafrazi, sus obras fueron muy apreciadas obteniendo una gran popularidad. Y durante la primera mitad de la década de los 80, Haring expuso en numerosos lugares de los E.E. U.U., como la Bienal del Whitney, pero también lo hizo en el extranjero como en la Documenta 7 en Kassel y la Bienal de São Paolo, entre varios lugares en el mundo.
Además de su trabajo artístico en espacios públicos y en galerías, Keith Haring también creó una animación para la espectacular valla publicitaria de Times Square, trabajó en decorados de teatro, creó diseños de relojes para Swatch, así como un anuncio para Absolut Vodka. Su trabajo público, a menudo con mensajes sociales, continuó durante la década de los 80, y todavía está vigente en todo el mundo. Haring solía estar muy interesado en hacer arte para organizaciones benéficas, en hospitales y en guarderías, contribuyendo así con su obra a ayudar a personas necesitadas.
En 1986 -el mismo año que creó su famoso mural Crack is Wack en la calle 128 Este y en el Harlem River Drive en la ciudad de Nueva York- Haring abrió su tienda Pop Shop en el Soho. Aquí, comenzó a vender camisetas y otros artículos de recuerdo, todos ellos con sus ya icónicas imágenes . Para él, la tienda y los artículos que vendía eran tan importantes como su trabajo "real", y no veía ninguna diferencia entre uno de sus murales y una taza de café con uno de sus dibujos. Pero esto no ha estado exento de los críticos de arte y comisarios de exposiciones de todo el mundo, para quienes este enfoque era demasiado comercial.
"Hace poco vi a un niño de 8 años con una sudadera de Keith Haring. Todas las ganancias de las ventas de su trabajo se han invertido; finalmente todo esto, no importa lo que opine la gente, se hizo para ganar dinero para buenas causas. El riesgo está en sobreexponer tu trabajo así, que ensombrece la figura del artista. Pero, al mismo tiempo, su objetivo era llegar al mayor número de personas posible", declara John Peter. Él emepezó en el metro de Nueva York haciendo figuras con tiza en paneles publicitarios vacíos, utilizó su arte para conectar con una gran audiencia, y casi treinta años después de que muriera de SIDA todavía está presente .
"No era un artista pop completo, de la misma manera que Warhol no lo era. Su obra siempre tuvo una buena dosis de conciencia social, en la que estaban presentes temas como la alienación en general y la propia sexualidad de Haring, en particular", dice John Peter. "Este tipo de marginación era algo con lo que mucha gente lidiaba en ese momento, y Haring fue capaz de comunicar estos temas a través de su trabajo. Vemos elementos de cómics, dibujos animados, ciencia ficción, es casi como una metáfora de que había un gran malestar general desconocido que afectaba a todos."
Un hito histórico destacado recientemente mostrando el arte de Haring es el Centro Juvenil Católico de Manhattan. El hueco de la escalera estaba cubierto de obras de Haring, con sus icónicas figuras como The Radiant Child y The Barking Dog. Haring lo comenzó a pintar en 1983, y cuando se decidió que el edificio necesitaba ser renovado para convertirlo en un complejo de apartamentos las obras fueron extraídas de las paredes de la casa, en gran parte gracias a La Iglesia de la Ascensión : sus propietarios.
Aparentemente la iglesia gastó alrededor de un millón de dólares para que los conservadores retiraran 13 figuras, que luego fueron subastadas por Bonhams. La iglesia quería que la mayoría de las ganancias fueran donadas a la Fundación Keith Haring, pero la Fundación no estaba particularmente satisfecha con la forma en que la iglesia manejó la situación, diciendo: "Estamos decepcionados. Estos murales no fueron hechos para ser vendidos a coleccionistas privados, estaban ahí para los niños". Lo que definitivamente suena como algo que el mismo Haring habría dicho. Aunque el mural nunca fue firmado por el propio Keith, se dice que vale entre 3 y 5 millones de dólares.
El esfuerzo realizado por la iglesia y el valor de estas peculiares obras ofrecen una visión de lo que Haring significa para el mundo del arte en el siglo XXI. O uno podría simplemente echar un vistazo a las pinturas que se están subastando. En mayo de 2017, la obra Sin título se vendió en Sotheby's por 6,5 millones de dólares, Silence=Death se vendió por 5,6 millones de dólares en Christie's en mayo de 2019, y en noviembre de 2018 Sisters cities-For Tokyo se vendió por 4,45 millones de dólares en Sotheby's. Si se comparan estos resultados con las obras vendidas por las mismas casas de subastas hace diez o quince años sin duda se observa que han aumentado de valor.
Aunque sólo estuvo activo como artista durante apenas diez años , la obra de Haring y su sencilla estética resuenan hoy en día.
