El Cubismo cambió el mundo del arte y la manera de interpretar la vida. Los artistas de esta corriente artística perseguían la idea de representar la vida lo más realista posible y con la certeza de que a pesar de que las personas no perciben el mundo solo a través de las tres dimensiones: longitud, área y volumen, la idea pasaba por desarrollar una “técnica fotorrealista” que permitiera representar la realidad principalmente en su cuarta dimensión: la del tiempo.
El Cubismo de Pablo Picasso
El primer artista que intentaría dar un enfoque verdaderamente realista a sus obras que incluiría las cuatro dimensiones fue Pablo Picasso. En 1907, Picasso pintaba Les Demoiselles d'Avignon (Las señoritas de Avignon) que representaba a cinco mujeres desnudas. A pesar de que con esta pintura se rompía con toda la tradición pictórica anterior, es la pintura de Picasso menos "cubista" de las que pintaría a continuación. Sin embargo, en Les Demoiselles d'Avignon se pueden ver los cuatro elementos esenciales que terminarán definiendo el estilo del movimiento cubista. Primero: el aplanamiento de la figura. Segundo: la reducción del personaje a simples formas geométricas. Tercero: una paleta de colores ciertamente limitada y por último un individuo visto y representado simultáneamente por múltiples perspectivas bajo una luz diferente. Es de esta manera como en el Cubismo se muestra la fugacidad del paso del tiempo.
Las raíces del cubismo de Georges Braque
Aunque Picasso está considerado y con razón, el creador del cubismo, no estaba solo. Una larga y estrecha colaboración con el artista francés Georges Braque dotaron de una gran calidad al movimiento cubista desde su nacimiento. Picasso y Braque se inspirarían en los artistas postimpresionistas, que primero separaron los elementos artísticos con el intento de analizar sus funciones estéticas individualmente.
Picasso y Braque adaptaron estos descubrimientos y los hicieron propios, reduciendo los colores, las formas y los espacios a su esencia más pura. En la obra Violon et palette (1910) de Braque y Ma Jolie (1911) de Picasso, los temas se pintan desde diferentes puntos de vista con una luz variable: cada componente pictórico tiene la misma importancia. Los elementos individuales no se mezclan en una imagen cohesiva, sino que se colocan en el lienzo para que se fusionen "en la mente" del espectador. Braque pinta formas facetadas simples, planos espaciales aplanados con colores apagados, pero mantiene los objetos reconocibles. Mientras Picaso en Ma Jolie; el apodo de su amante Marcelle Humbert, dibujó la figura femenina con planos cambiantes. En el centro del cuadro se puede ver una forma triangular que representa la cabeza y el torso de Marcelle, mientras que seis líneas verticales en la parte central inferior del lienzo representan las cuerdas de una guitarra que es tocada por la mujer.
El puntillismo de Georges Seurat y Paul Signac
El puntillismo apareció en 1886 de la mano de Georges Seurat y Paul Signac quienes idearon una técnica pictórica que podía lograr un mayor brillo, si se pintaban puntos de color puro uno al lado del otro. Atrás quedaba la idea de mezclar los colores antes de incluirlos en el lienzo. La técnica del puntillismo permitía que las obras se "fusionaran" en el ojo del espectador.
En aquella época, Paul Cézanne estaba abandonando el concepto de profundidad, sus pinturas eran cada vez más planas y eliminaba la idea de fondo y primer plano. Incluso, en las últimas obras de Cézanne se percibe que cada elemento es tan importante como cualquier otro, y en muchas de ellas se muestran formas geométricas simplificadas.
El auge del cubismo sintético
La palabra "cubismo" se acuñó cuando el crítico de arte Louis Vauxcelles se burlaba de lo que Picasso y Braque estaban haciendo, hasta el punto de afirmar que sus pinturas estaban llenas de "pequeños cubos". La frase se afianzó y muchos otros pintores abrazaron la idea y la hicieron suya. En 1911 ya había muchos artistas cubistas que asistieron a la primera exposición del movimiento en el Salon des Indépendants de París. Entre otros muchos, participaron artistas como: Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin y Robert y Sonia Delaunay. Irónicamente, sin embargo, los inventores del cubismo, Pablo Picasso y Georges Braque, no participaron, ya que ambos habían avanzado hacia su próximo experimento: el "cubismo sintético".
El nuevo objetivo de los artistas cubistas era alcanzar un nivel aún mayor de realidad a través de la fusión entre el arte y los elementos reales presentes en el mundo físico. Fue Georges Braque quien hizo el primer intento, incluyendo un texto publicitario en su pintura titulada Le Portugais (1911). Sacado de su contexto, el texto publicitario se colocó en el mismo nivel de importancia que las partes restantes de la obra de Braque. De esta manera, las palabras tomaban la función de símbolos abstractos, desconectados de su verdadero significado.
Picasso por aquel tiempo también daba un paso hacia adelante con la obra titulada Naturaleza muerta con silla de rejilla (1912). Picasso introducía materiales de la vida cotidiana como una cuerda de cáñamo o un trozo de hule con estampado de rejilla y los convertía en objetos artísticos, lo que convertía el lienzo en un collage.
Georges Braque elevó aún más el listón y agregó arena a sus pinturas para obtener texturas aún más realistas. Los diferentes experimentos de estilo y ejecución continuaron dando lugar a diferentes variaciones del cubismo. De modo que, con el tiempo, el cubismo analítico nacido en un primer momento que se centraba en ideas tradicionalmente académicas evolucionó hacia el cubismo sintético que sintetizaba elementos del mundo real en la naturaleza ilusoria de las artes plásticas.
Texto escrito por Ana Isabel Escriche inspirado en el texto escrito por Alice Azzolini del equipo editorial Barnebys Italia.
![Gustave Caillebotte, ‘Rue de Paris, temps de pluie (Paris Street; Rainy Day)’ [detalle], 1877 , Art Institute of Chicago. Foto vía Wikicommons](https://images.prismic.io/barnebys/191bfd0c-b0d9-466c-8600-e7b64164b33a_Cover.jpg?auto=compress,format)
