La noche se ha asentado en el Bronx, pero las luces de los rascacielos de Manhattan brillan en la distancia. Cerca de allí, los vagones del metro se balancean y chirrían a lo largo de la línea verde, las chispas iluminan las vías mientras frenan entre los edificios de tres pisos. En una estación de metro desierta, una pandilla de adolescentes desciende entre los vagones del metro. Una mano agarrada al hierro de la barandilla y la otra sosteniendo un bote de pintura en aerosol. La obra terminará en unos pocos minutos y todo el vagón del metro queda cubierto de letras y números en una combinación que recuerda a las naves espaciales lanzadas a la luna. Los pioneros de Graffiti cubren un automóvil tras otro con sus firmas: Julio 204, Taki 183, Frank 207 y Joe 136; nombres de artistas basados en una combinación de dónde crecieron o dónde pertenecen.
Muchos más seguirían sus pasos. Para algunos, es una alternativa a estar inactivo o atraer inevitablemente al crimen juvenil. Para otros, se trata de la autoexpresión, dejando fluir su creatividad y desarrollando un talento artístico. Mientras que para otros aún, se trata de buscar la vigencia teniendo sus modernas inscripciones de runas en tantos lugares como sea posible.
Apenas ha escapado a la atención de nadie. El arte callejero es la exposición de arte más grande del mundo. Como una enorme serpiente, se desliza desde Santiago de Chile hasta Ámsterdam, desde las calles secundarias de Nueva York hasta el centro de Londres. Encuentra su camino desde las calles ruidosas del Bronx hasta las paredes de ladrillo de Bristol, toma el tren a través de los cinco continentes. Tanto figurativamente como literalmente.
Estos artistas callejeros han formado el movimiento artístico más fuerte desde la posmodernidad. Un movimiento que ha transformado todas las ciudades del mundo. Lo que comenzó como declaraciones políticas de activistas que pretendían difundir sus opiniones se ha convertido en el lenguaje artístico de la calle.
Cuando Demetrius, un chico griego de 17 años de edad, de Washington Heights, etiquetó a Taki 183 por todo Nueva York, nació una nueva tendencia. Las historias de vida pronto viajaron a través de las tags a través de prácticamente todos los vagones del metro de la ciudad. Los artistas más activos eran como fantasmas en la noche y sombras de día. Siguieron la luz aguda de la primavera, el pulso caliente del verano, las tormentas del otoño y los copos de nieve del invierno.
El arte callejero evolucionó. Las tags se convirtieron en graffiti; el graffiti se convirtió en performance e instalaciones. La forma de arte pasó de los vagones del metro a las paredes de la casa. Desde galerías de arte de moda y subastas en todo el mundo. Andy Warhol y su séquito reunieron nombres como Jean-Michel Basquiat y Keith Haring. De repente, los coleccionistas de pintura contemporánea más serios del mundo querían rodearse de lo que la mayoría de las personas denominaba vandalismo y las unidades especiales de la policía intentaban detener.
Se gastaron miles de millones de dólares en la lucha contra el movimiento artístico más fuerte de los tiempos modernos, pero no importaba cómo lo intentaran, las piezas estaban dispuestas en el tablero. Los artistas del graffiti encontraron nuevos espacios en terrenos no transitados. En lugar de colocar sus obras y diseños cada vez más artísticos en el exterior de los vagones del metro, cubrieron el interior, y se impusieron cuando el conflicto con las autoridades se convirtió en una política de tolerancia cero en varios países. Casi al mismo tiempo, la Escuela Inglesa del Street Art saltaba a los titulares. Por encima de todo, un nombre en particular apareció en los medios más que cualquier otro: Banksy.
El arte de Banksy, que inicialmente trabajó principalmente en Bristol, involucra un mensaje muy simple y directo con elementos de crítica social y política. Rápidamente atrajo a una amplia audiencia, tanto de jóvenes como de ancianos. Sin embargo, el público comprador se dividió entre varias clases socioeconómicas. Cuanto más larga sea la carrera de Banksy, más caro será su trabajo en el mercado secundario. Su arte ha pasado de costar un par de cientos de libras a varios millones. Steve Lazarides, antiguo galerista de Banksy, vendía serigrafías por 40 dólares sin firmar y por 180 dólares firmadas. Ahora se venden por 2.500 dólares.
Sin embargo, Steve Lazarides aún espera que "las compuertas se abran", refiriéndose a que los precios se han estancado por la sencilla razón de que ninguna de las grandes obras de Banksy se está subastando. Esto se debe a que nadie quiere vender sus Banksy, y si se ponen a la venta, esto sucede fuera del mercado de subastas. Ahí el mercado está al rojo vivo. Una serigrafía firmada de "Girl with Balloon" actualmente cuesta 180.000 dólares. Estamos hablando de un pedazo de papel que otras 149 personas tienen, y otros 600, tienen sin firmar.
Las pinturas originales son aún más caras. Actualmente, "Girl with Balloon" firmada cuesta 1 millón dólares en el mercado secundario, originalmente se había vendido por 300 dólares. Cuando la obra original de "Girl with Balloon" fue destruida parcialmente en Sotheby's en mitad de la subasta, en una de las citas artísticas más destacadas del mundo del arte del año pasado, muchos expertos en arte dijeron que el valor se había duplicado de inmediato. Además, se convirtió en un codiciado trabajo para los museos, sólo unos segundos después de haber sido golpeado con el martillo.
Si bien un número cada vez mayor de comerciantes de arte pueden considerarse millonarios en Street Art, los artistas continúan dando a sus propias ciudades arte y decoración pública sin pedir nada a cambio. ¿Por qué ocurre esto? La razón simple parece ser que, dado que ninguna de las obras importantes se ha vendido en una subasta, las casas de subastas ofrecen precios de reserva demasiado bajos. Esto, a su vez, impulsa a los coleccionistas a venderlos de otras maneras. Y así continuará, siempre que las casas de subastas no garanticen a los vendedores una cantidad relevante. La mayoría de las personas que poseen un buen Banksy saben lo que tienen. Ellos no venderán, a menos que realmente tengan que hacerlo. O como lo expresa Steve Lazarides: "Si alguien me ofreciera £ 1.2 millones por una de las mejores pinturas, me negaría con la cabeza. £ 2 millones, podría hacerme pensar. £ 3‒5 millones podrían conseguir que lo levantara de la pared".
Cuando le pregunto a Steve, el exgalerista del secreto mejor guardado del mundo del arte, sobre los precios, él responde que la mayoría de los artistas callejeros de la generación con la que trabajó nunca fueron patrocinados, nunca recibieron estipendios, subvenciones u otros beneficios. La mayoría de los artistas callejeros que él conoce financian sus propios proyectos de arte vendiendo sus obras. Si no fuera así, la mayoría de los artistas serían hijos de personas ricas. La pregunta es: ¿qué tan interesante sería el arte entonces?
Al principio, mantener en secreto la identidad de los maestros del arte callejero era evitar el procesamiento por parte de la policía y otras autoridades, pero hoy es más porque el público lo quiere así. Cuando se trata de Banksy, se ha construido un aura alrededor de esta persona anónima. Nadie quiere revelar el secreto, ni gana nada con él. Es como decirle a un niño de cinco años que los Reyes Magos no existen.
Una vez que los medios de comunicación cacen a Banksy y revelen la imagen y el nombre de este artista anónimo o simplemente escribían: "Dave Smith de Brighton", la magia se habrá ido. ¡Y las ventas de periódicos caerán! Si el mismo Banksy se presentara hoy, su afirmación probablemente sería cuestionada. Nadie quiere saber la verdad sobre quién es él. Banksy debería ser Banksy y todo el mundo del arte gana, por ser un fantasma.
Incluso en Estados Unidos, algunos artistas han alcanzado el estatus de culto, como por ejemplo, Shepard Fairey, que se hizo famoso en todo el mundo por hacer un póster de un hombre negro. Ese hombre fue Barack Obama, el primer presidente negro de los Estados Unidos. Hoy el trabajo se cuelga en la National Portrait Gallery de Washington D.C.
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